Kunsten af kinesisk kalligrafi og maleri

Som kunsten af kinesisk kalligrafi, eller shufa, har en lige så lang historie som Kina selv. Det er en af de højeste former for kinesisk kunst, der tjener formålet med at formidle tanker, mens det også viser den abstrakte skønhed af linjer. Kalligrafi (shū fǎ 书法) har traditionelt været betragtet som Kinas højeste form for visuel kunst - i en sådan grad, at en persons karakter blev vurderet ud fra elegance af deres håndskrift! De grundlæggende værktøjer til kalligrafi - pensel og blæk - er også værktøjerne til kinesisk maleri, med linjearbejde og tone som de allervigtigste komponenter.

Historien om udviklingen af kinesiske tegn er ikke en meget simpel og sammenhængende. Forskellige typer tegn og stilarter blev accepteret forskellige steder, under forskellige regler og på forskellige tidspunkter. Det interessante er, at nogle mesterværker, der introducerede en ny revolutionær stil, blev så beundret, at de blev anerkendt som den nye standard og form, som skulle kopieres og studeres af senere generationer. Generelt kan kinesisk kalligrafi opdeles i fem store stilarter: Zhuan Shu (篆书) i dag mest begrænset til seglskæring, Li Shu (隶书), den traditionelle officielle stil (hovedsageligt dominerende under Han-dynastiet 206 f.Kr.-220 e.Kr.), Kai Shu (楷书), den mest almindelige form for trykning, som også betragtes som den standardform for skrivning af kinesisk, Xing Shu (行书), den mest brugte form for håndskrift, også kendt som 'løbende stil', og endelig Cao Shu (草书), den kinesiske kursiv stil, der hovedsageligt bruges af kalligrafer til meget abstrakte værker, men også ses i daglig brug.

De fire grundlæggende færdigheder og discipliner for de kinesiske litterater er maleri (huà 画), strenge instrumenter (qín 琴) og brætspil (qí 棋). Kinesisk traditionelt maleri er meget anerkendt over hele verden for sin teori, udtryk og teknikker.

Ifølge deres udtryksformer kan kinesiske malerier opdeles i to kategorier: Xieyi School er præget af overdrevent former og frihånds penselarbejde og Gongbi School er kendetegnet ved nært fokus på detaljer og fint penselarbejde.

Xieyi, er dog den grundlæggende tilgang til kinesisk maleri. Det udgør en æstetisk teori, som overordnet set understreger følelserne. Gu Kaizhi, en berømt kunstner fra Jin-dynastiet (ca. 345-406), var den første til at fremføre teorien om "at lade formen vise ånden". Efter hans mening skulle et maleri tjene som et middel til ikke kun at formidle udseendet af et objekt, men også at udtrykke, hvordan kunstneren ser på det objekt.

Forskellig fra vestlige malerier er et kinesisk maleri ikke begrænset af fokalpunktet i sin perspektiv. Kunstneren kan male alle scener langs Yangtse-floden på et stykke papir eller silke, der er langt og smalt. Man kan sige, at vedtagelsen af skiftende perspektiv er en af karakteristikaene ved kinesisk maleri. Hvorfor understreger de kinesiske kunstnere det skiftende perspektiv? De ønsker at bryde fri fra tids- og rumsbegrænsningerne for at inkludere i deres billeder ting, der både er nær og langt væk. Derudover opdager kunstnerne, at i livet ser mennesker på deres omgivelser fra et mobilt fokalpunkt. Når man går langs en flod eller i en have, ser man alt på vejen. Det skiftende perspektiv gør det muligt for kunstneren at udtrykke frit, hvad han ønsker.

Kinesisk kalligrafi og kinesisk maleri er nært beslægtede, fordi linjer bruges i begge. Kineserne har forvandlet enkle linjer til en højt udviklet kunstform. Linjer bruges ikke kun til at tegne konturer, men også til at udtrykke kunstnerens koncepter og følelser. En række forskellige linjer bruges til forskellige emner og formål. De kan være lige eller buede, hårde eller bløde, tykke eller tynde, svage eller mørke, og blækket kan være tørt eller løbende. Brugen af linjer og penselstræk er et af de elementer, der giver kinesisk maleri sine unikke kvaliteter.