Konsten av kinesisk kalligrafi och måleri

Som konstformen kinesisk kalligrafi, eller shufa, har en historia som är lika lång som Kinas egen. Det är en av de högsta formerna av kinesisk konst, som syftar till att förmedla tankar samtidigt som den visar den abstrakta skönheten av linjer. Kalligrafi (shū fǎ 书法) har traditionellt betraktats som Kinas högsta form av visuell konst - till den grad att en persons karaktär bedömdes utifrån elegansen i deras handstil! De grundläggande verktygen för kalligrafi - pensel och bläck - är också verktygen för kinesisk målning, där linjearbete och ton är de allra viktigaste komponenterna.

Berättelsen om utvecklingen av kinesiska tecken är inte särskilt enkel och sammanhängande. Olika typer av tecken och stilar antogs på olika platser, under olika regler och vid olika tidpunkter. Den fascinerande saken är att några mästerverk som introducerade en ny revolutionär stil blev så beundrade att de etablerades som den nya standarden och formen att kopiera och studera av senare generationer. Generellt kan kinesisk kalligrafi delas in i fem stora stilar: Zhuan Shu (篆书) idag mest begränsad till sigillskärning, Li Shu (隶书), den traditionella officiella stilen (huvudsakligen dominerande under Han-dynastin 206 f.Kr.-220 e.Kr), Kai Shu (楷书), den vanligaste formen för tryck som också anses vara standardformen för att skriva kinesiska, Xing Shu (行书), den mest använda formen av handskrift även känd som 'springande stil' och slutligen Cao Shu (草书), den kinesiska kursiva stilen, mestadels använd av kalligrafer för mycket abstrakta verk men också sett i vardagligt bruk.

De fyra grundläggande färdigheterna och disciplinerna hos de kinesiska bildande konstnärerna är målning (huà 画), stränginstrument (qín 琴) och brädspel (qí 棋). Kinesisk traditionell målning uppskattas högt över hela världen för sin teori, sitt uttryck och sina tekniker.

Enligt sina uttrycksformer kan kinesisk målning delas in i två kategorier: Xieyi School är kännetecknad av överdrivna former och frihandspenslar och Gongbi School karaktäriseras av noggrant fokus på detaljer och fin penselarbete.

Xieyi, däremot, är den grundläggande metoden för kinesisk målning. Den utgör en estetisk teori som framför allt betonar känslor. Gu Kaizhi, en känd konstnär från Jin-dynastin (c. 345-406), var den första som framfört teorin om "att få formen att visa anden". Enligt honom bör en målning fungera som ett medel för att förmedla inte bara utseendet på ett objekt, utan också uttrycka hur konstnären ser på det objektet.

Olika från västerländska målningar är en kinesisk målning inte begränsad av fokuspunkt i sitt perspektiv. Konstnären kan måla alla scener längs Yangtze-floden på ett papper eller silke som är långt och smalt. Det kan sägas att antagandet av rörligt perspektiv är en av kännetecknen för kinesisk målning. Varför Betonar de kinesiska konstnärerna det rörliga perspektivet? De vill bryta sig loss från tids- och rumsbegränsningarna för att inkludera, i sina bilder, saker som är både nära och avlägsna. Dessutom upptäcker konstnärerna att i livet ser människor på sin omgivning från en rörlig fokuspunkt. När man går längs en flod eller i en trädgård ser man allt på vägen. Det rörliga perspektivet gör det möjligt för konstnären att fritt uttrycka vad han vill.

Kinesisk kalligrafi och kinesisk målning är nära relaterade eftersom linjer används i båda. Kinesiska människor har omvandlat enkla linjer till en högt utvecklad konstform. Linjer används inte bara för att rita konturer utan också för att uttrycka konstnärens koncept och känslor. En mängd olika linjer används för olika ämnen och olika syften. De kan vara raka eller böjda, hårda eller mjuka, tjocka eller tunna, ljusa eller mörka, och bläcket kan vara torrt eller rinnande. Användningen av linjer och penseldrag är ett av de element som ger kinesisk målning dess unika kvaliteter.