Kunst av kinesisk kalligrafi og maleri
Kinesisk kalligrafi og kinesisk maleri er nært beslektet fordi linjer brukes i begge.
Kunstformen av kinesisk kalligrafi, eller shufa, har en historie som er like lang som Kina selv. Det er en av de høyeste formene for kinesisk kunst, som har som formål å formidle tanker samtidig som den viser den abstrakte skjønnheten i linjer.Ç ä¹¦æ³) har tradisjonelt blitt ansett som Kinas høyeste form for visuell kunst - så mye at en persons karakter ble dømt av elegansen i håndskriften deres! De grunnleggende verktøyene for kalligrafi - pensel og blekk - er også verktøyene for kinesisk maleri, med linjearbeid og tone som de viktigste komponentene.
Historien om utviklingen av kinesiske tegn er ikke en veldig enkel og sammenhengende. Ulike typer tegn og stiler ble akseptert på forskjellige steder, under forskjellige regler og til forskjellige tider. Det interessante er at noen mestere som introduserte en ny revolusjonerende stil ble så beundret at de ble etablert som den nye standarden og formen som senere generasjoner skulle kopiere og studere. Generelt kan kinesisk kalligrafi deles inn i fem store stiler: Zhuan Shu (ç¯ä¹¦) i dag stort sett begrenset til seglskjæring, Li Shu (é¶ä¹¦), den tradisjonelle offisielle stilen (hovedsakelig dominerende under Han-dynastiet 206 f.Kr.-220 e.Kr.), Kai Shu (楷书), den mest vanlige formen for trykking som også anses som den standard form for å skrive kinesisk, Xing Shu (è¡ä¹¦), den mest brukte formen for håndskrift også kjent som 'løpende stil' og til slutt Cao Shu (è书), den kinesiske kursiv stilen, mest brukt av kalligrafer for høyt abstrakte verk, men også sett i daglig bruk.
De fire grunnleggende ferdighetene og disiplinene til den kinesiske litterati er maling (huà ç»), strengede musikkinstrumenter (qín ç´) og brettspill (qí æ£). Kinesisk tradisjonell maling er høyt verdsatt over hele verden for sin teori, uttrykk og teknikker.
I henhold til deres uttrykksmåter kan kinesiske malerier deles inn i to kategorier: Xieyi Skole kjennetegnes av overdrevede former og frihånds penselarbeid og Gongbi Skole er preget av nær oppmerksomhet til detaljer og fint penselarbeid.
Xieyi, er imidlertid den grunnleggende tilnærmingen til kinesisk maleri. Det utgjør en estetisk teori, som over alt, legger vekt på følelsene. Gu Kaizhi, en kjent kunstner fra Jin-dynastiet (ca. 345-406), var den første som fremmet teorien om "å få formen til å vise ånden". I hans mening bør et maleri tjene som et middel til å formidle ikke bare utseendet til et objekt, men også uttrykke hvordan kunstneren ser på det objektet.
Ulike fra vestlige malerier, er et kinesisk maleri ikke begrenset av fokuspunktet i sin perspektiv. Kunstneren kan male alle scenene langs Yangtse-elven på et stykke papir eller silke som er langt og smalt. Det kan sies at bruken av skiftende perspektiv er en av egenskapene til kinesisk maleri. Hvorfor legger de kinesiske kunstnerne vekt på det skiftende perspektivet? De ønsker å bryte ut av tids- og rombegrensningene for å inkludere, i bildene sine, ting som er både nære og fjerne. Også, kunstnerne finner ut at i livet, ser folk omgivelsene sine fra et mobilt fokuspunkt. Når man går langs en elv eller i en hage, ser man alt på veien. Det skiftende perspektivet gjør det mulig for kunstneren å uttrykke fritt hva han ønsker.
Kinesisk kalligrafi og kinesisk maleri er nært beslektet fordi linjer brukes i begge. Kinesiske mennesker har gjort enkle linjer til en høyt utviklet form for kunst. Linjer brukes ikke bare til å tegne konturer, men også til å uttrykke kunstnerens begreper og følelser. Et mangfold av linjer brukes til forskjellige emner og ulike formål. De kan være rette eller buede, harde eller myke, tykke eller tynne, bleke eller mørke, og blekket kan være tørt eller rennende. Bruken av linjer og penselstrøk er et av elementene som gir kinesisk maleri sine unike kvaliteter.
